À l'origine, les premiers photographes se préoccupaient davantage de la science et de la technologie de la photographie que de l'art, et les résultats étaient en grande partie des questions pointues et tournantes.
Cela a changé assez rapidement, et l'un des premiers mouvements importants a été le pictorialisme photographique tel que représenté par des groupes comme la Photo-Sécession . L'idée générale de ce mouvement que les photographies deviennent de l'art par acte intentionnel de la création du photographe, plutôt que de simplement représenter ce qui se trouve devant l'objectif. Cela implique généralement une mise en scène minutieuse et une photo-manipulation.
Ce mouvement a été efficacement écrasé par la photographie hétéro , défendue par Ansel Adams, les Westons et ses amis; l'idée de base étant simplement qu'une photographie "pure" pouvait être considérée comme un art à part entière; que l'enregistrement de ce qui était devant l'objectif avec des compétences techniques (y compris, bien sûr, la composition et le timing) est la véritable clé de la photographie en tant que forme d'art.
Cette idée connut un grand succès et le mouvement pictoraliste en tant que tel mourut dans la première moitié du XXe siècle. Les photographes hétéros ont-ils simplement réussi à transmettre leur message au point que les picturaux sont devenus inutiles? Est-ce le moment historique du 20e siècle? Ou autre chose?
Maintenant, à l'ère numérique, avec tout le monde photographe et avec des compétences techniques mises à niveau par de superbes modes auto, le message du mouvement picturaliste résonne-t-il à nouveau? Ou, inversement, la facilité avec laquelle un logiciel transforme les photographies en "art numérique" manipulé signifie-t-elle que la vision pure pour la photographie droite est la plus importante pour la photographie en tant que forme d'art distincte?
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Réponses:
Nous sommes donc tous sur la même page, voici une définition du pictorialisme :
Un exemple:
Le bol noir, 1907. George Seeley. La source
Mon point de vue: une nouvelle technologie, un nouveau médium narratif, tente de se faire accepter en émulant quelque chose d'autre qui existe déjà, en l'occurrence des peintures. À un moment donné, le nouveau média est accepté et n'a plus besoin d'émuler.
Je ne pense pas que nous ayons besoin de plus que cela pour expliquer la montée du pictorialisme («voyez, nous pouvons faire ressembler une photo à une peinture») ainsi que la chute («tant pis, concentrons-nous sur ce que la photographie peut faire ça la peinture ne peut pas ").
Cela pourrait même expliquer pourquoi la peinture est devenue abstraite en légitime défense :)
Wikipédia sur l'art abstrait :
On peut dire que les compétences de reproduction manuelle de la perspective et de la réalité sont devenues moins précieuses lorsque les photographes pouvaient mieux le faire simplement en cliquant sur un bouton. La peinture a donc défendu son territoire en mettant moins l'accent sur l'aspect "reproduire la réalité" et en augmentant l'aspect "interprétation artistique", à travers l'impressionnisme, l'expressionnisme, le cubisme etc.
Initialement, la photographie a essayé de suivre, car la peinture était encore le roi de la colline du monde de l'art. C'est là que le pictorialisme est entré en jeu.
Wikipedia décrit la photographie droite comme un mouvement esthétique qui s'étend des années 1880 aux années 1970. Dans les années 1930, il a été défini comme
La photographie droite pourrait donc être décrite comme le mouvement d'indépendance de la photographie, affirmant essentiellement que la photographie est une île, en elle-même, et n'a pas besoin de l'influence puante d'autres formes d'art.
Je suppose que le succès était en partie dû au fait que courir après la peinture était plutôt inutile, d'autant plus que la peinture se retirait sur un terrain plus élevé (plus abstrait); réalisation partielle qu'il y avait beaucoup de territoire inexploré dans la photographie de base; partie jalonnant un gazon domestique défendable basé sur les forces naturelles de la photographie par rapport à la peinture. Et bien sûr, directement à partir de l'appareil photo est beaucoup moins de travail qu'une manipulation lourde, surtout compte tenu des outils de l'époque.
À l'ère numérique, je ne pense pas qu'il y ait beaucoup de résonance avec le message pictorialiste en tant que tel. Les pictorialistes essayaient de faire "on peut ressembler à un tableau si l'on veut" à une époque où la peinture était l'apogée de l'effort artistique.
À l'ère numérique, la photographie est déjà acceptée et a prouvé son indépendance, et il y a des genres de peinture où l'influence va dans le sens inverse, comme le photoréalisme dans les années 1960 et l' hyperréalisme dans les années 2000 .
À l'ère numérique, un photographe artistique voudra probablement faire quelque chose de différent du passé, tout comme un peintre contemporain n'essaiera probablement pas d'imiter la peinture du 19e siècle. Il n'y a pas beaucoup de gloire à copier Ansel Adams 50 ans plus tard. Les photographes d'aujourd'hui ont des outils pour faire des choses qu'Ansel Adams ne pouvait pas faire, et il serait idiot de ne pas les utiliser.
À l'avenir, je m'attends à ce que la photographie emprunte énormément à des formes d'art comme les films, la vidéo et l'infographie, voire se mélange avec elles. C'est une évolution naturelle: si nous acceptons la photographie comme narration, plus d'outils pour raconter une histoire de la façon dont nous voulons qu'elle soit racontée ne peut être qu'une amélioration.
Je pense qu'il est important de reconnaître qu'il n'y a rien de spécial dans la photographie droite: c'était un mouvement stylistique particulier avec un grand impact historique, mais rien ne dit que c'est la seule façon de faire de la photographie. Comparez avec la peinture, qui a connu des centaines de mouvements stylistiques à travers les âges, chacun passant et sortant de la mode à mesure que la technologie, la société et les goûts changent. Ce n'est pas une question plus ou moins juste, juste une question plus ou moins à la mode dans un endroit donné à un moment donné.
Rien de tout cela n'invalide la photographie droite, pas plus que l'art abstrait ou la fantaisie n'invalide le réalisme. Ce sont simplement différentes formes d'expression, différents genres et peuvent très bien coexister pacifiquement.
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Éliminons la question principale en suspens dès le début: l'idée que la "photographie droite" (quoi que ce soit censé signifier) est la seule utilisation légitime des outils de la photographie est tout aussi idiote et myope que l'idée que l'expressionnisme abstrait est le seul usage artistique légitime de la peinture. Les deux élèvent le simple médium au statut d'art et revendiquent ensuite l'exclusivité sur ce médium. L'expressionnisme abstrait donne à la peinture et à sa méthode d'application la primauté sur tout le reste; la "photographie droite" se délecte de l'idée qu'il y a près de 200 ans, l'humanité a trouvé un moyen de rendre les ombres plus ou moins permanentes. Une grosse affaire poilue à l'époque. La nouveauté aurait dû disparaître maintenant.
Tout art raconte des histoires. Et tu sais quoi? Parfois, l'histoire peut être aussi simple que «j'ai vu ça et ça m'a beaucoup ému». Ou même, "cela existait". Il n'y a rien de fondamentalement mauvais avec une ode sur la couleur rouge, une expression de la grandeur ou de la complexité de la nature, ou simplement la fixation d'un souvenir de l'apparence de votre fille à l'âge de six ans. Mais le documentaire n'est qu'une utilisation rudimentaire du langage photographique, et ce langage est passé du pidgin au créole. Il y a maintenant un vocabulaire beaucoup plus vaste que jamais, et la grammaire nous offre bien plus qu'un présent télégraphique lié au contexte. Nous pouvons faire tourner des poèmes, écrire des romans et explorer «et si» - alors pourquoi nous limiter au journalisme même magistralement écrit?
L'incarnation originale du pictorialisme (et de ses descendants dans le monde à base d'argent) a été entravée de nombreuses manières. Les difficultés techniques liées à la création de quelque chose qui n'a jamais existé ne sont que superficiellement évidentes pour la plupart des gens aujourd'hui (jusqu'à ce que vous ayez réellement passé du temps à travailler avec des crayons pointus, une brosse à sable 6-0 ou un aérographe Pasche Turbo sous une loupe, vous avez aucune idée), et l'acte de composer les éléments était presque simple par rapport à l'acte de les capturer. La plupart de ce qui a été produit était techniquement mauvais, et la seule raison pour laquelle une grande partie de celui-ci a retenu l'attention était à cause de la méconnaissance des gens avec le médium: ils ne savaient tout simplement pas comment "lire" une photographie. (Pouvez-vous imaginer quiconque aujourd'hui tombe amoureux des fées de Cottingley ou de l' ectoplasme?) Pour le faire correctement, il a fallu créer des décors, des costumes, un éclairage coopératif, d'énormes quantités de travail de post-production fastidieux (sans erreur) et rester en grande partie dans le domaine de ce qui était physiquement possible (poses pouvant être tenues pour plusieurs secondes, etc.). En tant que tel, il était principalement concerné par "l'art sérieux" et les "grandes idées", mais avait le vocabulaire d'un pidgin et d'une grammaire qui s'appuyaient principalement sur l'allusion (comme le Tamarian de l'épisode Star Trek TNG Darmok). Si vous ne saviez pas ce que les costumes et l'assemblage signifiaient en tant qu'icônes, et que vous ne reconnaissiez pas la peinture de fond comme, disons, les Champs Élyséens, alors vous ne pouviez juger le travail que sur son propre mérite esthétique - le message sous-jacent était perdu . C'était un peu comme regarder la peinture médiévale ancienne sans connaître l'iconographie du geste ou que cet aigle là-bas est saint Jean l'Évangéliste.
Eh bien, beaucoup plus que les humains et les chevaux ne sont morts pendant la Première Guerre mondiale. La sagesse des anciens, des classiques (sur lesquels ont été nourris les ânes qui ont conduit les lions à leur mort), les dieux eux-mêmes ont tous péri dans la boue du No Terre des hommes. Le sens a perdu son sens¹, et nous avons commencé à explorer la nature même du sens dans Dada, le surréalisme, la sémiotique et toutes les autres voies d'approche qui ont finalement fusionné avec le postmodernisme. Le monde s'est tourné vers l'immédiat, le présent, avec le sentiment que le passé n'avait plus de sens et que demain ne viendrait peut-être jamais. Là où la nature a perduré, le romantisme est revenu à ses racines avec une nouvelle urgence: la nature était l'éternel que nous avions le pouvoir de mettre fin; nous étions responsables de son salut parce que nous serions sa mort autrement, et nous devions apprendre à le tenir en admiration. (Et ne vous y trompez pas, Ansel Adams n'était pas un réaliste clinique; tout ce qu'il a fait a résisté et exagéré pour exprimer sa crainte, de la même manière que son jeu au piano a souffert d'un excès de dynamique et de rubati. C'était un romantique sans espoir.)
Il s'est avéré que cela coïncidait en grande partie avec des avancées technologiques importantes. Les conceptions pratiques à double Gauss ont largement déplacé les objectifs Petzval, et même les conceptions ultérieures ont transformé les capacités de l'appareil photo; des plaques et des films qui étaient raisonnablement sensibles, raisonnablement capables de contenir des détails et ont émergé soit à large spectre orthochromatique soit panchromatique. Non seulement vous pouviez prendre une photo à la fois "réelle" et "maintenant", mais il était devenu beaucoup plus difficile de créer un faux convaincant. Le travail montrerait et serait évident. Avec suffisamment d'efforts, vous pourriez construire "l'impossible" comme un ensemble et vous retrouver avec ce qui était, pour le moment, une retouche minimale ( Dali Atomicusvient à l'esprit), ou vous pourriez essayer l'assemblage (qui se révélait généralement ressembler à une peinture plutôt qu'à une photographie; je trouve des expressions "purement photographiques" du concept, comme le travail de Jerry Uelsmann, totalement peu convaincantes la plupart du temps). Pourtant, une certaine quantité de bavardage, ou une certaine capacité de narration mélangée au reportage, a toujours été une bonne chose. Il y a une raison pour laquelle tout le monde connaît Ansel Adams et Edward Weston, mais sacrément peu ont entendu parler de Minor White (qui pourrait éponger le sol avec l'un ou l'autre en tant que caméraman et technicien de chambre noire).
Malgré la légitimité de la "photographie directe", nous avons maintenant les outils à notre disposition pour raconter différents types d'histoires d'une manière vraiment convaincante. Certaines de ces histoires sont de la fantaisie, du mythe ou de la science-fiction; certains explorent les «pourquoi pas» plutôt que le «pourquoi». Avons-nous vraiment besoin de construire de vastes décors ou de transporter nos sujets (et un camion de matériel) vers un endroit, en espérant une confluence de la bonne lumière, du bon temps et de la lune en Capricorne afin de rendre l'expression légitime? Ou est-il simplement illégitime d'utiliser le réalisme de la reproduction photographique des divers éléments qui pourraient être photographiés pour exprimer cette histoire?
Ne laissez pas le fait que 90% des tentatives soient de la merde vous déranger. C'est juste la loi de Sturgeon en action. (Franchement, je pense que 'Théodore était un peu trop généreux là-bas.) Au moins 90% de la "photographie droite" (et je veux dire "la photographie droite sérieuse") est aussi de la merde, et le numérique plus "P pour professionnel" n'est pas' t y aider du tout. Donc, la merde est au point et bien exposée (pour une certaine valeur de bien exposée). Les histoires bien racontées ressortiront toujours; la poésie élégante résonnera encore plus profondément qu'un limerick vaguement méchant. Le travail de Jamie Baldridge est plus dérangeant et suscitant la réflexion en tant que photographies travaillées qu'il ne le serait jamais en tant que peinture; Les contemplations calmes de John Paul Caponigro chuchotent plus doucement, mais avec plus d'énonciation.
En fin de compte, les histoires que vous choisissez de raconter vous appartiennent. L'idée que vous ne pouvez pas inventer un nouveau mot ou une nouvelle phrase lorsqu'elle est demandée, ou emprunter un mot dans une autre langue, est une imposition artificielle, qu'elle soit imposée de l'extérieur ou de l'intérieur. Personne n'oblige les historiens à écrire de la science-fiction, mais aucun historien n'a le droit de dire que la science-fiction est en quelque sorte une expression illégitime de la pensée humaine.
¹ Dans quelle mesure la mort de l'allégorie et de l'allusion classiques a-t-elle été complète? The Waste Land de TS Eliot était lisible par la plupart de ses pairs et contemporains; Aujourd'hui, les enfants qui l'étudient à l'école ont besoin de notes de bas de page et de références pour rechercher les allusions bibliques et mythologiques et peuvent avoir à lire des livres entiers pour en comprendre le sens.
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Développement de la photographie - de la science à l'art
Il y a deux types de personnes dans la photographie. Ceux qui veulent prendre des photos et ceux qui veulent créer de l'art. Quand la photographie était jeune, il n'y avait que les premières personnes concernées. Ce n'était pas dans le concept que les photographies pouvaient être utilisées dans l'art. Jusqu'à ce que ces gens, qui voulaient aussi dire quelque chose, créer de l'art, trouvent la photographie intéressante.
Le pictorialisme n'a rien à voir avec l'art en soi. Ce fut une tentative de définir ce qui est l' art de la photographie, à un moment où la photographie était encore nouveau. Mais l'art est ce que nous ressentons, pas les outils utilisés, et la photographie a été assez tôt (seulement 100 ans) acceptée comme un outil pour créer de l'art, rendant ainsi l'idée derrière le pictorialisme inutile. La question est donc de savoir ce qui a changé dans la photographie pour en faire un outil pour l'art.
L'outil documentaire commence à voir la beauté
Pensez à nouveau à ce qui était avant l'époque de l'appareil photo et des photographies. C'était l'époque des peintres, et surtout des portraitistes. La première "guerre" n'a pas été entre photographes, mais entre peintres et photographes. Les peintres vivaient de portraits de riches. Il s'agissait de l'argent d'un peintre en danger lorsque la photographie commençait à participer au portrait.
L'un des arguments des peintres était qu'une photo droite ne pouvait pas améliorer le sujet. Qu'un peintre est le seul capable de flatter le sujet et de le faire se souvenir de façon favorable pour toujours, car seuls les peintres peuvent tordre et tourner les images comme ils le souhaitent. La photographie cherchait des moyens de répondre à ce défi, et c'est ainsi que je vois naître ce pictorialisme. Mais les photographes hétéros n'avaient besoin que d'apprendre à rendre leurs sujets beaux, sans manipulation "artistique".
Chemin vers la photographie indépendante adulte
Le pictorialisme était le moyen de faire accepter la photographie comme un moyen de créer de l'art. En d'autres termes, il cherchait à être accepté avec des excuses silencieuses pour avoir pénétré dans le quartier de l'art avec un outil documentaire.
Dans ce cas, le quartier était de l'art peint. Une photographie est si proche d'une peinture en tant que médium, qu'un effet New-kid-on-the-block était inévitable. Vous devez prouver votre valeur. Comme pour les portraits et les portraits, en général, c'est comme si les peintres disaient "Vous ne pouvez pas faire CECI" et obtenaient la réponse du photographe "Oui, je peux" et une démonstration suivait. C'est du pictorialisme, ou plutôt, c'est le «pourquoi» derrière tout le reste. Et il y a aussi la réponse à "Pourquoi le pictorialisme est-il mort si vite?". Cela arrive tôt ou tard,Et qu'est-ce que c'est? C'est de la photographie droite! Une image de la réalité aux pixels nets. Ainsi, la photographie devient un adulte et passe à vivre sa propre vie indépendante sans plus avoir besoin de prouver quoi que ce soit.
Vieux est toujours contesté par les jeunes
Mais le pictorialisme est-il toujours là aujourd'hui? Oui, si l'on pense aux jeunes photographes qui prouvent leur valeur aux vieux photographes. Je n'appellerais pas cela du pictorialisme cependant. Les gens qui n'ont fait que du numérique ne peuvent souvent pas imaginer les difficultés rencontrées pour photographier sur film. Il n'y a pas si longtemps, c'était (et l'est toujours?) Les numériques qui ont besoin de prouver leur valeur à leurs collègues du cinéma. Le débat entre l'ancien et le nouveau est éternel et ce qui est maintenant nouveau vieillira ou perdra le débat et mourra jeune.
En photographie, le mot clé est "apprendre". L'idée est quelque peu similaire à Q&A est difficile, allons faire du shopping dans un sens qu'il est difficile d'obtenir des compétences et des talents élevés pour que votre sujet soit beau en photographie droite, mais raisonnablement facile d'aller faire du shopping pour un meilleur équipement et un logiciel puissant avec lequel de modifier vos photos pour combler l'écart entre une photo brute et vos attentes.
Et ensuite, la photographie?
Je ne sais pas si je comprends cela. La photographie est une forme d'art, qu'elle soit manipulée et déformée, ou une photographie simple et droite. Qu'est-ce que l'art numérique, vraiment?
Ce que je considère l'art numérique est quelque chose qui n'est évidemment pas seulement une photographie, que tout le monde peut le voir. Il peut y avoir une photographie sur laquelle le travail a été fait, mais il serait toujours considéré comme de l'art numérique au lieu de l'art photographique.
Deux exemples de photos:
Ceci est une photographie . Tout droit sorti de la carte mémoire de l'appareil photo, je n'ai effectué aucun réglage. Nous pouvons l'appeler une photographie "pure", si nous ne comptons pas la magie qu'un appareil photo numérique fait lorsqu'il tire les informations sur les pixels du capteur d'image.
Prochain:
Il s'agit d'art numérique , réalisé par mon fils de 11 ans, qui voulait me donner son impression de la photo que j'ai prise de sa sœur de 2 ans. Bien sûr, il y a une photo là-bas, mais évidemment, elle appartient à la catégorie de l'art numérique.
Seule la photographie non modifiée est-elle droite?
Où tracer la ligne, exactement? Il y a de bons exemples de la puissance du post-traitement sous les bons exemples des avantages de RAW sur JPEG et surtout l'une des réponses avec une paire de photos de @EtienneT. Pourquoi la photo ajustée ne serait-elle pas de l'art photographique au lieu de l'art numérique? Pour moi, c'est toujours une photo même avec tous les ajustements qui y sont apportés.
N'avons-nous pas fait ce travail d'ajustement sur nos photographies depuis le tout début? Regardez cette vidéo de faire une impression noir et blanc où la fille commence à 9h00 avec l'original et explique le processus de "réglage" pour les quatre prochaines minutes de la vidéo. Ce genre de chose a été fait pour toujours. Seulement, c'est maintenant un logiciel informatique pour faire le travail. Après tout, il n'y a rien de tel qu'une photographie non modifiée.
La photographie devient numérique
Bonne question. Qu'est-ce que l'Ancien et qu'est-ce que le Nouveau aujourd'hui? La photographie numérique est le nouveau-né sur le bloc, et a essayé de paraître aussi belle que la photographie de film n'a jamais été. Mais en même temps, la photographie numérique, c'est aussi l'ancien. Ce sont peut-être les anciens photographes qui s'énervent avec la nouvelle façon sans effort (non-chalant même?) Que les jeunes photographes abordent la photographie. De la même manière que les peintres pensaient autrefois à la photographie.
Lorsque de nouvelles façons de créer de l'art apparaissent, cela ne signifie pas que les anciennes méthodes et les outils deviennent moins importants. Ce n'est pas un jeu à somme nulle.
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Je pense que c'était vraiment le développement de l'esthétique photographique. Les premiers travaux ont peut-être joué un rôle central dans sa définition, mais on a rapidement découvert que la composition et la sélection du sujet avaient plus d'impact sur la façon dont l'image raconte une histoire que les aspects les plus laborieux d'une manipulation photographique soignée. Il était tout simplement plus avantageux pour l'effort de choisir le bon aspect de ce qui se trouve devant l'objectif que d'essayer de contrôler le développement si étroitement. Il se peut également qu'en raison de leur réalisme accru, les photos ne résonnent pas de la même manière que des concepts similaires appliqués à la peinture.
Cela dit, avec l'avènement des outils numériques qui permettent aux photographes un bien plus grand contrôle et la possibilité d'affiner leur travail. Je pense que nous assistons davantage à un type de retour différent à certains des concepts qui sous-tendent la photo-sécession. Il s'agit de moins en moins de capturer ce qui se trouve devant l'objectif et plutôt d'améliorer de ce qui se trouve devant l'objectif ou même d'inventer quelque chose qui n'existe pas tel qu'il est affiché à l'aide d'outils photographiques. Il semble toujours être un sac mixte en termes de popularité, mais semble être une tendance croissante.
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Les conservateurs notent:
L'érudition de cette pièce peut ne pas avoir été reconnue. Ou peut.
Le commentaire suivant sur la question semble inaccessible à certains esprits, et peut-être même à une majorité substantielle. Ce ne sont peut-être pas ceux que vous voulez, avancez.
Sinon, comme le premier des «ne» es de
est perçu par l'intimé comme une vérité évidente, sinon une tautologie pure et simple, et comme le deuxième des «do-es» lui ressemble, mais le «moyen qui» est nié, il cherche à commenter éclairé mais, probablement, juste obscur sur les motivations sous-jacentes qui ont donné vie à cette catastrophe, tout en rejetant d'emblée l'idée que la simple excellence technologique est le moteur de la décadence.
La référence obscure à la devise du comté de Clackmannanshire (à savoir "Look aboot ye") est une simple affectation. La nouvelle devise (2007 plus) "Plus que vous ne pouvez imaginer", est elle-même considérée comme une indication que la pourriture ne se limite pas à la dégradation de la forme photographique, mais s'est propagée aux slogans de comté et à d'autres domaines d'expression jusqu'ici sacro-saints. Donc ...
Pictorialism Wars - Instagram contre-attaque!
J'essaie toujours de déterminer quoi:
modifications génétiques et / ou
chirurgie du cerveau
et / ou filtrage et distorsions mentales ou optiques et
/ ou applications / modes / plugins / ...
Je dois acheter / acquérir / adapter / installer / télécharger / télécharger / patch / ...
à mes systèmes wetware (ou à tout autre système)
pour me permettre de voir le monde et d'instagrammer des images comme d'autres les voient évidemment
afin que moi aussi je puisse participer avec abandon / joie / plaisir / satisfaction à ce qui semble jusqu'ici principalement une destruction par balles déformée inutile de bons vieux aliments optiques quotidiens pour le cerveau.
Photoshop à la rescousse - j'y travaille toujours ...
Ansell Adams: Peut être allé un peu loin dans l'autre sens. Peut-être peut-être un peu triché par certaines mesures lors d'une mauvaise journée. Peut être pas.
Ré
Manifestement, oui. Regardez-vous.
Mais pas, je pense, pour les raisons que vous citez. Ou pas comme facteur prédominant.
Je soupçonne que c'est plutôt une tendance post-moderne, post-post-moderne de la génération XYZT, où-avons-nous-eu-à-gen-quelque-chose-post-n'importe quelle tendance à la gratification post-instantanée, post-live-for-the- jour, poste [Attention: l'approvisionnement en "-" est épuisé] s'il fait de la nourriture, postez la jeune génération à quoi le monde est venu, de mon temps en montant à l'école dans les deux sens au fond d'une boîte en carton de lac sans chaussures , marmonner grogner ...., la matière.
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En fin de compte, un art réussi est tout ce qu'un nombre raisonnable de personnes trouvent agréable, émouvant, intrigant - insérez ici votre adjectif positif. Tout art réussi crée une émotion ou un sentiment chez une personne et lui donne envie de regarder ou de vivre l'art.
Par cette métrique, les images numériques (qui ont franchi la ligne des photographies en raison d'une manipulation excessive) ont tous les droits et possibilités d'être de l'art. Ils doivent seulement réussir.
Personnellement, un tel travail doit être incroyable avant de résonner particulièrement avec moi. Mon art préféré est basé sur la réalité. Un beau paysage de Tom Thomson m'a toujours parlé plus fort que tout ce qui est abstrait. Cela ne veut pas dire que l'art abstrait n'est pas de l'art - il peut absolument l'être - mais il ne résonne pas particulièrement chez moi.
Pour cette raison, photographiquement j'ai toujours été dans le camp pictorialiste. Il arrive qu'Ansel Adams soit l'un des photographes que je respecte le plus. Il arrive que même aujourd'hui, à l'ère numérique, je tourne une grande partie de mon travail sur film, non pas parce que le film est nécessairement supérieur (c'est à quelques choses, et ce n'est pas à quelques autres) mais parce que le film exprime ma vision photographique bien. Je prends des photos numériques de la même manière - je vise à montrer et interpréter la réalité. Je peux utiliser la filtration des couleurs sur des films en noir et blanc, et je peux utiliser des objectifs super grand-angle sur mon travail numérique, mais les scènes que j'enregistre restent réalistes. Vous les reconnaîtriez comme étant réels - mais vous pourriez avoir une nouvelle perspective sur leur réalité, si j'ai réussi à atteindre ma vision. Si j'ai échoué, c'est parce que j'ai manipulé mes images au point de me distraire.
Suis-je contraint? Je ne pense pas. Je choisis d'ignorer des centaines de passe-temps et de divertissements potentiels parce que je me concentre sur ce que j'aime et j'aime. Et d'ailleurs, la réalité est très intéressante.
J'ai lu mes anciens numéros d'un magazine de photographie noir et blanc britannique ces dernières semaines. Les photos les plus émouvantes que j'ai vues jusqu'à présent étaient un ensemble de photos d'une forêt. J'ai vu beaucoup d'arbres - mais ces photos étaient magnifiques. Ils étaient également réalistes. Le photographe a absolument cloué sa vision à mes yeux.
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J'étais fatigué de la précision visuelle habituelle - et j'ai cédé à l'idée que la mise au point est autant une illusion que mes yeux corrigeaient la lentille. Maintenant, au moins la moitié de ma vie est consacrée à regarder le monde astigmatiquement - parce que les images douces me rendent à la fois inconfortable et paisible. Je ne peux tout simplement pas ressentir cela sur une image collectée à partir de détails précis. Cela laisse moins à mon imagination et me donne moins de "feeling". Bien sûr, c'est ma propre expérience et d'autres ont leurs propres méthodes - mais le pictorialisme, l'impressionnisme - quelle excellente façon de poser la question "Comment cela me fait-il sentir" sans tous les autres ... contexte.
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