La plupart des décisions sont d'ordre artistique et dépendent de votre style et de votre vision personnels et, dans une certaine mesure, du genre de photographie, qu'il s'agisse de paysages ou de portraits, commerciaux ou non commerciaux.
Avant de commencer, vous devez avoir une idée de ce à quoi vous voulez que votre image ressemble. Clé haute ou clé basse? Sharp et contrasté, ou léger et éthéré? Chaque image est différente, donc aucune règle définie ne s'applique à chaque image. Mais je vais essayer de donner quelques directives générales.
En utilisant Lightroom ou Camera Raw, je travaille à travers les curseurs de haut en bas.
Balance des blancs
Je dirais que dans la plupart des cas, c'est une décision artistique. Oui, vous pouvez utiliser l'outil compte-gouttes de balance des blancs pour estimer la balance des blancs "correcte", mais cela aspire souvent la chaleur d'une belle image. J'utilise souvent l'outil de balance des blancs pour vérifier comment cela affecte l'image et pour rester honnête afin de ne pas exagérer le réchauffement, mais pour la plupart j'augmente la chaleur jusqu'à ce que j'aie exagéré, puis je le recule bit.
Contraste
Je ne touche jamais le contraste dans la phase de conversion brute. J'utilise Photoshop et préfère appliquer des calques de réglage des courbes que je peux masquer / brosser si nécessaire. Si je devais traiter uniquement via Lightroom, je sauterais probablement le curseur Contraste et y reviendrais après avoir effectué les autres ajustements liés à l'exposition.
Exposition, reflets, ombres, noirs, blancs
Pour la plupart des images, je veux une gamme complète de tons du noir au blanc. C'est-à-dire que pour la plupart des images, je veux que l'histogramme s'étende de gauche à droite. En supposant que j'essaye de réaliser une telle image, ma pensée serait quelque chose comme ceci:
L'exposition globale est-elle à peu près correcte?
Si l'image est trop sombre, j'augmenterai l'exposition. Trop léger, le réduira. Évidemment, pas pour obtenir un bel histogramme, mais une belle image. Une image en relief peut être bien à droite par exemple. J'essaie de fixer l'exposition à huis clos, mais il y a des moments où vous ne pouvez pas, ou que vous exposez intentionnellement à droite . De plus, si quelque chose est coupé à chaque extrémité, je peux ajuster l'exposition globale. Habituellement, je n'ai pas besoin de toucher le curseur Exposition.
Ensuite, comment sont les points finaux de mon histogramme?
Si des noirs ou des blancs sont toujours coupés après avoir ajusté l'exposition, ou plus généralement s'ils ne s'étendent pas aux bords de l'histogramme (ce qui signifie que je n'ai pas de noirs ou blancs purs), alors j'utiliserai les curseurs Noirs / Blancs pour étendre l'histogramme jusqu'à ce que j'ai la gamme tonale complète. Évidemment, c'est un peu une décision artistique, mais pour les images où vous voulez une gamme tonale complète, c'est à mon avis la meilleure façon d'y parvenir.
À quoi ressemblent les hautes lumières et les ombres?
J'utilise avec parcimonie les curseurs Highlights et Shadows pour affiner les zones claires et sombres. Ce n'est pas du tout nécessaire sur la plupart des images. J'augmenterais le curseur Ombres par exemple sur une image rétro-éclairée pour éclaircir le sujet, et je pourrais diminuer le curseur hautes lumières si j'avais une grande étendue de nuages blancs et que je voulais faire ressortir un peu le contraste.
Clarté
Une clarté croissante peut donner l'impression d'un meilleur contraste et de meilleurs détails. Réduire la clarté peut donner un joli look de rêve, à l'eau ou aux nuages en particulier. Je pense que c'est un choix purement et artistique. Je ne fais généralement pas d'ajustements de clarté dans le convertisseur RAW, et je laisse cela plus tard, dans Photoshop, où je peux utiliser la netteté, les ajustements de courbes locales ou des filtres d'effets comme Topaz Detail / Adjust pour obtenir des effets similaires localement.
Saturation / Vibrance
J'utilise rarement la saturation ou la vibrance dans Camera Raw. Si la couleur d'une image semble plate, je peux augmenter la vibrance, mais généralement je le ferai pour des zones sélectives ou pour des couleurs sélectives, plus tard dans Photoshop. Un autre choix artistique - faites ce qui vous semble bien. Veillez simplement à ne couper aucune chaîne. Vibrance est un choix un peu plus sûr .
Ce qui importe plus que la façon dont vous notez les couleurs, c'est que la gradation des couleurs est cohérente au sein d'une série. En règle générale, vous voudrez vous assurer qu'une série de photos s'écoule bien, bien qu'il puisse y avoir des moments où vous souhaitez qu'elles soient également très différentes.
Comme d'autres l'ont mentionné, il n'y a ici aucune règle autre que l'esthétique générale. Soit vous en avez l'œil, soit vous n'en avez pas. Utilisez votre sens artistique et votre couleur en conséquence. Si vous essayez de développer vos compétences, passez du temps à regarder les œuvres que vous aimez et à voir comment elles sont équilibrées, puis essayez de les reproduire.
Après un certain temps, vous aurez un œil pour identifier quelles parties d'une image sont hors de contrôle d'où vous le souhaitez et cela devient une simple question d'ajustement comme bon vous semble pour obtenir le look souhaité.
N'ayez pas peur de suivre votre propre chemin. La façon dont les gens évaluent les couleurs est probablement plus révélatrice de l'identité du photographe que de tout autre aspect de la photographie. Les gens développent définitivement un look qu'ils aiment et s'ils sont bons dans l'étalonnage des couleurs, beaucoup de leurs photos auront un aspect général similaire. Il doit varier un peu d'un plan à l'autre car les sujets diffèrent et donc l'esthétique peut nécessiter de légères différences de style, mais il y a généralement des choses qui le rendent reconnaissable.
Personnellement, j'ai tendance à trop légèrement contraster, à la recherche d'un point noir riche, d'ombres détaillées mais raisonnablement fortes, de reflets juste avant le pic et d'une image globalement bien saturée (mais pas trop saturée) et fortement colorée. Parfois, je vais ajouter un petit détail aux faits saillants exagérés, mais j'essaie généralement de l'éviter pour la plupart.
Certaines personnes préfèrent plus sombre, certaines plus lumineuses, certains niveaux de contraste surréalistes, d'autres un aspect plus délavé et altéré. Côté extrême artsy, certains vont même jusqu'à déformer la couleur au point d'être méconnaissable à la scène d'origine. C'est entièrement à vous, l'artiste, de décider ce que vous aimez.
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En fait, il n'y a pas de directives. Vous devez apprendre le positionnement, le recadrage, la composition. Les mouvements artistiques ont des lignes directrices qui ne sont pas si strictes sur le ton et l'approche. Pour la photographie, vous pouvez regarder et rechercher les aviateurs ou les pionniers du style que vous souhaitez pratiquer. du début à aujourd'hui. Comme exemple de Richard Avedon à Patrick Demarchelier pour la photographie de mode. Et comme un conseil d'un photographe professionnel -moi-même: D- ayez toujours du noir et blanc dans votre photo si vous n'êtes pas approché pour des produits post-contrastés.
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